Ses qualités légendaires – confort, légèreté et facilité de transport – ont inspiré Antonio Citterio et Flexform qui lui ont donné une nouvelle interprétation avec la chaise Luchino.
Fabriquée en bois massif tourné, fini à la main et munie d’une assise et d’un dossier en cuir de sellerie, la chaise Luchino présente des jonctions raffinées qui permettent de la plier et de la transporter aisément.

A y regarder de plus près, la chaise apparemment simple Luchino révèle un travail remarquable du bois et un soin méticuleux apporté à la fabrication des petites pièces métalliques qui règlent le fonctionnement du mécanisme de pliage.
Combinaison harmonieuse d’élégance et de praticité, la chaise Luchino s’accorde facilement avec toutes les tables de la collection Flexform.

«La typologie de la chaise pliante, avec sa légèreté et sa praticité, fait depuis longtemps l’objet de recherches et d’innovations ; je suis par exemple fasciné par la simplicité industrielle que l’on retrouve dans certaines chaises de camp d’après-guerre. Avec Flexform, nous avons décidé de rendre hommage à cette histoire avec un produit contemporain où le bois tourné, le mécanisme de pliage en alliage et un cuir de sellerie de qualité sont réunis, récupérant ainsi une connexion de signes qui renvoie à cette tradition», dit Antonio Citterio.

Design & Craft: Noblesse des matériaux – bois et cuir de sellerie – souci du détail, émotion dans la création
La réalisation d’un objet comme la chaise Luchino requiert d’excellentes matières premières, les bons outils, mais surtout du talent, de l’intelligence et de la passion.
Derrière chaque geste étudié, il y a l’outil approprié et à chaque étape du processus de fabrication, il y a la personne, avec ses mains, ses yeux et son dévouement infini au travail bien fait.
Avec la chaise Luchino, Antonio Citterio et Flexform entendent valoriser le rôle incontournable de l’artisanat italien et renforcer le lien avec le système du design contemporain.
Le petit fauteuil pliant Luchino fait appel à divers matériaux de valeur, tels que le bois massif, le métal et le cuir de sellerie, qui sont ici combinés grâce au design puissant de l’architecte Antonio Citterio.

Le bois massif est tourné et fini à la main et, une fois que les différents produits semi-finis sont prêts, nous passons au collage, une procédure qui implique uniquement l’utilisation de colles à base d’eau, donc non toxiques.

Au terme de cette étape, les deux flancs du petit fauteuil sont assemblés et prêts pour l’opération de montage consistant à insérer les supports métalliques, des éléments qui constituent la partie centrale du mécanisme de pliage car ils règlent la rotation par rapport au croisillon et déterminent la hauteur du siège.

L’étape suivante est l’insertion des articulations en fonte d’aluminium qui relient les flancs au croisillon central.

Enfin, le processus d’assemblage de la structure se termine par le vissage des deux fuseaux du croisillon au niveau de l’articulation centrale, à l’aide d’éléments usinés au tour d’après un dessin.

A ce stade, la structure en bois est prête à recevoir le dossier et l’assise en cuir de sellerie. Les parties en cuir de sellerie sont d’abord découpées selon un gabarit, puis cousues et finies sur les bords.

Ensuite, le dossier est simplement mis en place tandis que l’assise est vissée dans les logements prévus à cet effet afin de garantir une bonne tenue, tout en respectant la forme de la structure en bois.
Enfin, le préposé effectue un dernier contrôle scrupuleux du bon fonctionnement du mécanisme de pliage ainsi qu’un contrôle minutieux de chaque pièce de la chaise avant d’envoyer le produit fini au service d’emballage.

Evergem, une oasis créative
Promenade à travers leur foisonnant terrain créatif, l’exposition ouvre les portes de l’intérieur des designers et réunit une sélection d’ œuvres iconiques du catalogue Muller Van Severen: «Nous avons souhaité recréer un paysage figurant les éléments principaux de notre quotidien: notre maison, notre atelier et notre jardin. Trois îlots recomposent, au milieu des allées du salon, notre petite oasis dans le désert d’Evergem», détaille Fien Muller. «L’exposition agit comme une installation globale et immersive où nos pièces existent comme autant de petites entités autonomes. Elle est un miroir de notre intérieur mais aussi de notre esprit», précise Hannes Van Severen. Les trois lieux de ce décor planté au cœur du salon Maison&Objet Paris sont reliés par des chemins permettant une circulation triangulaire dans le cocon du couple. La scénographie, empreinte d’architecture, permet un exercice de psychologie créative.

Couleurs et épure formelle
Bulle suspendue, le stand déroule un panorama de toutes les explorations des designers, se jouant des matériaux et des couleurs. Cette approche caractéristique s’incarne en des meubles-sculptures, envisagés comme autant de petites architectures indépendantes qui se répondent dans leur épure formelle, autant qu’elles invitent individuellement à renouveler une expérience sensorielle de l’objet. Les bleus, rouges, verts et jaunes vifs des cimaises ne sont pas sans rappeler les observations chromatiques du néoplasticisme d’un Piet Mondrian et de la troupe de De Stijl. Ces couleurs se répètent par touches dans la collection Future Primitive, série fondatrice ordonnant le style du duo: un minimalisme fondamental où riment sobriété, fonctionnalité et design de collection. Pour le salon de septembre, les deux artistes en présentent les étagères de différentes hauteurs et configurations, incorporant des transats insérés à même les cadres, ainsi que des lampes sur pieds. Assemblages dépouillés, ces pièces fusionnent des fonctions pourtant complexes pour mieux valoriser l’essentiel.

Une rentrée riche en collaborations
Une dextérité réjouissante en écho avec le thème Enjoy de cette édition de Maison&Objet et qui transparaît dans les lignes naïves et légères des néanmoins magistrales armoires murales en acier de la série Wire. Ou encore, dans les répétitions tubulaires des bancs et cabinets ALLTUBE, qui réconcilient le regard et le toucher avec un aluminium trop souvent déprécié. Ces séries emblématiques dialoguent avec de nouvelles productions et commandes, parmi lesquelles une série de vases pour Bitossi et une lampe de sol développée pour Valerie Objects. En exclusivité française, Muller Van Severen dévoile des tapis développés pour le leader du textile d’ameublement Kvadrat, qui ont fait sensation au dernier Salone del Mobile de Milan. Intitulés March et July, les deux modèles, dont les structures et les surfaces s’inspirent des différents stades de tonte naturelle d’un mouton, partagent une méthode de production unique. Le cabinet y dévoilera aussi des productions conçues pour la marque danoise HAY. Animé par ce souci permanent de sonder tous les recoins des champs de la sculpture autant que du design, affranchi de tout académisme, le duo propose donc des objets qui s’exposent autant qu’ils s’éprouvent et se vivent, pouvant trouver leur juste place dans le white cube d’une galerie, aussi bien que dans le confort privé d’un salon particulier.
Meubles ou œuvres? La réponse n’a peut-être que trop peu d’importance pour ces designers de l’année qui poursuivent leur progression sur ce fil ténu et vacillant, suspendu entre les mondes de l’art et du design.

Papier peint Botanical Studies, créé par l’antiquaire Edward Hurst
Composé d’illustrations botaniques à grande échelle, peintes à la main sur des segments individuels de papier de thé indien, Botanical Studies fait référence à la maison du botaniste suédois Carl Linnaeus, qui a tapissé les murs de sa maison avec des études de l’artiste Georg Dionyius Ehret. Des représentations saisissantes de Passiflora (fleurs de la passion), de châtaignier, d’héliotrope, de Bauhinia (arbre orchidée), de vigne, de gardénias, de Sesbania Grandiflora (arbre colibri) et de l’arbuste Indian Pellet (Pavetta Indica) évoquent simultanément la beauté tranquille de l’âge d’or de la botanique.
Installé dans la chambre à coucher d’une maison privée du Dorset, un ancien lit à baldaquin de Suède, dont le baldaquin a été richement brodé par la reine Charlotte elle-même, sert de point d’ancrage à la scène, aux côtés d’antiquités provenant de la collection d’Edwards et de sa propre maison – des appliques à miroir vénitiennes, une splendide armoire chinoise sur des pieds en bois finement sculptés et des porcelaines décoratives provenant de clients privés.

Papier peint Uki Hana, conçu par le designer de meubles Kusheda Mensah
Une composition majestueuse de chrysanthèmes en fleurs inspirée par les œuvres d’art de la période Edo au Japon – l’apogée de l’expression créative de la nation – où la représentation naturaliste de fleurs, d’animaux et de paysages sur des sols métalliques unis élevait le quotidien au merveilleux. Peintes à la main sur un fond doré avec une finition ombrée, passant d’un riche cuivre à un argent étincelant, les fleurs blanches épanouies semblent suspendues comme dans les airs.
En toile de fond du mobilier de Kusheda Mensah, un équilibre est trouvé entre les formes arrondies qui caractérisent son travail – des modèles surdimensionnés avec un semblant de formes organiques – et la nature abstraite des fleurs flottantes, reflétées dans le décor par une composition florale autonome de Simone Gooch de Fjura, le tout sur les lignes ondulantes d’un tapis noué à la main de The Rug Company inspiré par le verre fondu.

Papier peint Braganza, proposé par le marchand de design Jermaine Gallacher
Inspiré par les peintures murales originales du Palácio dos Marqueses de Fronteira à Lisbonne, Braganza est une scène de jardin similaire aux célèbres Chinoiseries de de Gournay, mais représente des arbres fleuris et remplis d’oiseaux peints à la main comme sur des carreaux de céramique – avec un effet de grille et une finition glacée à la manière de la porcelaine.
Dans son vaste showroom londonien, au milieu d’un mélange éclectique de design vintage et de pièces de sa propre création, l’interprétation avant-gardiste de Jermaine Gallacher met en scène le design hors du mur. Les panneaux sont suspendus dans une série de pièces de style imaginatif, peuplées de chandeliers Zigzag, de consoles et de tables d’appoint de sa propre collection Prototype, de récipients en verre et en argile de l’artiste Miranda Keyes et d’œuvres sculpturales de Viola Lanari.

Papier peint Nordic Garden, créé par la fondatrice de Cutter Brooks, Amanda Brooks
Une scène sobre et jolie inspirée par les papiers peints originaux de Svindersvik – un manoir de l’époque rococo situé à l’extérieur de Stockholm, contenant une chinoiserie sourde de caractère nettement scandinave. Transposé à Stow on the Wold, au cœur de la campagne anglaise, son charme frais trouve naturellement sa place dans un local satellite du magasin Cutter Brooks, rempli des articles de maison haut de gamme stockés par Brooks: des appliques à bougies en feuille de chêne fabriquées en laiton bruni par Jess Wheeler, des fleurs en porcelaine sculptées à la main par Vladimir Kanevsky et des textiles Tensira, ainsi que des œuvres d’art de Christopher, le mari de Brook, et ses propres objets de Delft.
Nordic Garden est peint à la main dans des couleurs persistantes sur un papier de thé de l’Inde (un papier de riz fait à la main qui est assemblé en un motif de blocs superposés) de couleur crème, doucement marbré, avec de merveilleux lavis appliqués spontanément de pigments bleu ciel translucides qui strient l’arrière-plan.

Papier peint Marble, proposé par la galerie Ting Ying (Peter Ting, sur la photo)
Inspiré par la myriade de spécimens, de couleurs et de motifs de la pierre naturelle, le design Marble évoque la grandeur historique du monde antique et les prouesses architecturales de la mosquée Sainte-Sophie d’Istanbul et du Panthéon de Rome, avec les strates de pierre aux veines complexes rendues à la main dans les sections Boiserie – plaçant les irrégularités du monde naturel dans les formes rigides de la pierre taillée.
Installée dans l’appartement de Peter, fondateur de Ting-Ying, et de son partenaire, le conservateur Brian Kennedy, la toile de fond en marbre met en valeur leur collection personnelle d’œuvres d’art et de porcelaine – avec des œuvres d’artistes céramistes tels que Carol McNicoll, Alice Walton, Chang Chingyuan et Emma Witter.

Dans les années 90, vous transférez votre cabinet de design au Liban. Quels en sont les motifs?
Mon lien avec le Liban se crée de mon cercle d’amis. Après une longue guerre civile, la paix règne dans la région et ces derniers me pressent de m’y installer. Je m’y décide. Ce déménagement se fait alors pour des raisons principalement personnelles.

Quelle situation régnait à Beyrouth à cette époque?
C’était tellement chaotique. Mais j’ai adoré. J’ai dû travailler dur pour percer sur le marché et faire concurrence aux autres. De plus, j’étais habitué à des technologies avancées, et le Liban y balbutiait à l’époque. J’ai participé à d’énormes projets dans toute la région, comme le Dubai Gulf City. Mais, en 2008, la crise financière mondiale a frappé le Moyen-Orient. En cette période difficile, je me suis adapté au ralentissement du marché, j’ai trouvé un équilibre et poursuivi ma carrière. La situation s’est améliorée ensuite, j’ai conçu de nombreux autres intérieurs et remporté même plusieurs prix, ce qui a fait la renommée de mon cabinet. Spine, Beyrouth, a gagné par exemple le prix du meilleur bar global et du meilleur bar du Moyen-Orient et d’Afrique aux 2019 Restaurant & Bar Design Awards. Nous sommes très fiers de cette récompense, car la compétition était avec des designs de plus de 70 pays.

Quelles différences entre le travail au Liban et dans d’autres pays?
Ce pays est toujours plein de surprises. Toutefois, je travaille bien dans le stress. C’est un pays unique, nous nous y adaptons et aimons y être. Mon atelier est comme ma maison, certains employés sont ici avec moi depuis vingt ans et nous sommes comme une grande famille. Je ne serais pas capable de recréer cet environnement ailleurs dans le monde. Cela dit, j’envisage d’ouvrir un petit bureau à Dubaï.

La scène de la décoration intérieure au Liban a-t-elle changé depuis votre arrivée?
Quand je suis arrivé à Beyrouth, j’ai apporté de nouvelles idées. J’ai également travaillé en étroite collaboration avec mes clients. C’était un processus long et peu familier, vu qu’ils n’étaient pas encore habitués à de telles collaborations. J’ai même voyagé à l’étranger avec mes clients pour sélectionner des pièces, de l’art et des meubles et les incorporer. Ensemble, nous les choisissions non pas comme un investissement, mais pour l’amour de la chose. La scène au Moyen-Orient a beaucoup changé depuis mon arrivée. Les clients deviennent plus audacieux sous ma direction et c’est merveilleux de les voir grandir. Je suis particulièrement enthousiasmé par l’un de mes projets actuels, une propriété résidentielle dans la capitale.

Votre style a-t-il évolué depuis lors?
Bien sûr. Quand j’étais au Canada, j’étais plutôt minimaliste. Puis j’ai évolué pour adopter un style boudoir et baroque, ce qui était si différent. Pour être honnête, je ne suis pas lié à un style particulier. Je commence chaque projet par une page blanche. N’avoir aucune limite, aucune restriction, c’est ce qui m’excite.

Quelle est votre principale source d’inspiration?
Lorsque j’étais à l’internat en France, je dessinais beaucoup pendant mon temps libre. Mes amis aimaient mes dessins et me demandaient d’en créer pour eux. Comme j’avais un budget serré avec à peine de l’argent de poche, j’ai accepté et j’ai troqué les dessins contre des bonbons. En dehors des bonbons, je me sentais toujours inspiré pour dessiner. Et je suis toujours inspiré et je continue à découvrir.

Avez-vous été influencé par un artiste spécifique ou une époque particulière?
Bien sûr, j’ai mes dieux… Mais je ne me sens pas limité par une certaine période.

Le 4 août 2020, à 18h08, une explosion causée par 2 750 tonnes de nitrate d’ammonium a lieu à quelques mètres de votre studio. Parlez-nous de cette journée tragique.
J’étais à l’étranger, à Milan, pour visiter un showroom. Juste après 18 heures, je reçois un appel d’un ami me parlant d’une explosion. Puis les vidéos commencent à arriver. Pour être honnête, j’ai été sous le choc pendant plusieurs jours. J’y ai perdu un être cher. Bien sûr, l’atelier est gravement endommagé. Mais heureusement, nous n’avons perdu aucun membre de notre famille.

Votre vision du design a-t-elle changé depuis ce jour?
Je ne veux pas regarder en arrière. J’ai survécu et la vie continue. J’ai vu et vécu tellement de choses au Liban et je veux garder mes rêves vivants pour mes clients. Nous sommes tous dans le même bateau et nous évoluons constamment.

Vous avez plusieurs projets en cours de réalisation…
Oui, partout dans le monde: en Arabie saoudite, au Bahreïn, au Qatar, au Royaume-Uni, en France, au Maroc…

Vous arrive-t-il de vous sentir stressé avec autant de projets en cours?
Pour être honnête, le fait de travailler sur autant de concepts en même temps m’épanouit.

Préférez-vous concevoir des projets commerciaux ou résidentiels?
Chacun a une énergie différente. J’ai la chance de pouvoir choisir mes projets ; je peux être sélectif. Je prends le temps d’apprendre à connaître chaque client pour voir s’il est prêt à faire ce voyage avec moi.

Vous êtes réputé pour travailler avec des artistes locaux et internationaux dans le cadre de collaborations personnalisées. Qu’est-ce que cela apporte à chaque design?
Cela ajoute de la valeur et du caractère unique. Pour un projet à Beyrouth, j’ai dédié un espace uniquement à un énorme mur en céramique créé par Mary-Lynn Massoud. Je collabore régulièrement avec l’architecte et designer de meubles Ewa Szumilas qui réalise des pièces incroyables. C’est passionnant de découvrir de nouveaux artistes et artisans et d’intégrer leurs créations dans des espaces. Cela permet également de mettre en lumière le travail d’artistes relativement peu connus.

En tant que collectionneur avide d’art moderne, auriez-vous un artiste préféré?
Ce n’est pas facile de choisir, mais je dois admettre que le photographe libanais Ziad Antar est un favori. Son processus de création, comme dans sa collection Expired, me surprend toujours. Je suis un humaniste et je sais ce que j’aime, ce qui est beau.

Vous avez cofondé la start-up “The Great Design Disaster” avec Joy Herro, à Milan, pour aider les collectionneurs à apporter leur créativité aux œuvres qu’ils acquièrent. Parlez-nous un peu plus de cette initiative.
Je voulais combler un vide. J’avais l’habitude de fréquenter les marchés aux puces et les galeries pour trouver des pièces. Maintenant, je veux aussi être impliqué dans le design, être plus personnel. “The Great Design Disaster” me permet de concevoir et de travailler directement avec d’autres créateurs. Ensemble, nous pouvons réaliser des pièces sur mesure. Je permets également à mes clients de travailler avec des artistes dans le cadre de collaborations individuelles, ce qui leur ouvre un tout nouveau monde. C’est très excitant. Le processus est responsabilisant, garantit, en même temps, plus de commandes aux artistes et soutient le travail de ceux qualifiés. Récemment, j’ai travaillé sur un projet avec un incroyable artisan de papier mâché.

Comment voyez-vous l’avenir du design d’intérieur au Liban et dans le monde?
Nous travaillons toujours. Toutefois, nous serons bientôt obsolètes, remplacés par l’automatisation. Le design évoluera et les intérieurs du futur utiliseront les nouvelles technologies et des méthodes plus intelligentes, comme la robotique. A mon avis, nous sommes les derniers des Mohicans.

Dans la Grèce antique, le mot kairos était le concept qui définissait la manière optimale d’opérer et de concevoir les choses. Par exemple, le choix du bon endroit pour la construction d’une maison et, en même temps, l’attente du bon moment pour faire les travaux: cette combinaison équilibrée de place et de temps est la garantie d’un bon résultat. Partant de ce point de vue, les deux architectes et designers italiens Giuseppe Manente, né à Mestre en 1947, et Abramo Mion, né à Mirano en 1951, mettent en place le studio de design Kairos, à Milan, en 1980. Deux autres architectes les rejoignent depuis et collaborent étroitement avec eux: Paolo Nicol Greco, depuis l’année 2000, et Giacomo Mion, depuis 2012.

Actif dans les domaines de la construction, de la décoration et du design industriel, le bureau compte des clients prestigieux, tels que B&B Italia, Arper, Bontempi, Colombo Design, Comune di Venezia, Dada, Dolomite, Foscarini, Fincantieri, Koleksiyon, Herman Miller, Molteni&C, Moroso, Lema, Murakoshi Japan, Nordica, Poliform, Boffi et Varenna. Grâce à son talent innovateur, Kairos remporte le Compasso d’Oro, en 1984, avec la garde-robe Sisamo, conçue pour B&B Italia, qui obtient aussi le titre de Meuble de l’année, attribué par la revue Schöner Wohnen. Le studio reçoit également de nombreux autres prix honorifiques importants, comme le Milano Office Design en 1992 et le Red Dot Award 2015, pour la chaise de bureau Halia, dessinée pour le label Koleksiyon.

A travers son génie créatif, le studio cherche à mettre en place un travail d’équipe harmonieux pour la conception de ses modèles. Outre les nouveaux articles imaginés sans cesse, de nombreux autres, conçus et réalisés depuis plus de quinze ans, sont toujours en cours et appréciés aujourd’hui. Pour Kairos, la beauté du design vient du fait qu’il ne porte pas d’étiquette. «Etre designers nous rend libres», explique Giuseppe Manente. Créer, à travers sa profession, un objet qui n’existait pas auparavant permet souvent de vivre des émotions indescriptibles. De plus, ce métier est fortement lié aux expériences de vie quotidiennes des individus. Tout moment de la journée, quel qu’il soit, peut devenir une source d’inspiration.

L’expression artistique s’étend au-delà des limites fixées par les coutumes, les horaires et les échéances, et ce n’est pas un hasard si les concepteurs aiment la mer, la voile, les promenades en forêt et les voyages, qui activent leur liberté d’imaginer. Pour eux, l’architecture est surtout synonyme de curiosité, un ressort qui permet de ne pas se refermer mentalement. A cela s’ajoute l’enthousiasme, un sentiment que chacun doit cultiver afin de toujours éprouver, vérifier, supposer, explorer et rêver. «Les rêves sont la source de tous nos projets», disent-ils, et c’est l’esprit avec lequel ils entreprennent leur travail. Inventer quelque chose à partir de rien, en utilisant sa propre imagination, est irremplaçable et surprenant à la fois. De ce fait, le design leur permet de découvrir, chaque jour, des éléments nouveaux et d’accueillir une évolution continuelle.

Bartoli Design est un bureau d’architectes et de designers dont le siège se trouve à Monza, en Italie, et qui fonde sa méthode de travail sur celle initiée, en 1960, par Carlo Bartoli. Celle-ci consiste dans le développement d’une expérience du concept et de la culture du projet, depuis sa conception jusqu’à sa concrétisation, en passant par toutes les étapes intermédiaires. Comprenant tous les domaines de l’esthétisme moderne, de l’architecture, de l’aménagement et de la décoration d’intérieur, la recherche et l’étude du produit sont établies sur le caractère essentiel de ce dernier, sur l’excellence de sa qualité ainsi que sur son élégance artistique et son équilibre.

Collaborant étroitement avec des leaders du mobilier, tels Arflex, Fiam, Bonaldo, Kartell, Colombo Design, Confalonieri, Matteograssi, International Office Concept, Lualdi Porte, Nodus, Segis, Ycami et bien d’autres, la vocation du studio Bartoli, profondément ancrée dans l’histoire de la création, notamment italien, reste néanmoins innovante. Toute vouée à l’entreprise et au progrès industriel, elle reste attachée aux procédés artisanaux. Par exemple, pour l’édition de la chaise 1085 en cuir naturel, conçue pour Kristalia, Bartoli a eu recours aux techniques traditionnelles et à la haute expertise en couture de la tannerie Conceria Presot. L’originalité du produit réside dans la durabilité de sa structure en bois et dans l’altération de la couleur et de la texture de la peau par vieillissement spontané, mais encore par le maintien du cuir, grâce à un crochet qui permet d’ajuster sa détente au fil du temps.

Diplômé en Architecture de l’Ecole polytechnique de Milan, Carlo Bartoli commence une carrière d’architecte avant de se tourner vers le design d’intérieur et industriel, en concevant des objets destinés à la production de masse. S’étant aussitôt fait remarquer par la qualité de son travail et sa créativité, il reçoit très vite une reconnaissance publique et de nombreux prix. Progressivement, il élabore une organisation du travail et une approche d’investigation et d’exploration de l’objet du projet avant sa concrétisation. Son association à Anna et Paolo Bartoli, en 2007, l’enrichit de personnalités différentes, de regards nouveaux et d’idées jeunes.

Parmi les distinctions dont est honoré Bartoli, on cite le XXI^e Compasso d’Oro, en 2008, pour la chaise R606Uno, l’IF Award for Good Industrial Design pour le canapé Tube de Rossi di Albizzate, l’ID Design Distinction Award, l’Apex Product Design Award, le Red Dot et l’IF Award pour le fauteuil Breeze de Segis, empilable et ultraléger. Ces deux dernières créations sont d’ailleurs retenues pour figurer sur les séries de timbres de la poste italienne, “Design italien pour un nouveau paysage domestique”, et “Maîtres du design italien”. Le studio a déjà organisé plusieurs expositions un peu partout dans le monde: Milan, Londres, Cologne, New York, Prague, Hong Kong, Athènes et Buenos Aires. Concepteur prolifique désigné Apôtre du Design 2012, misant essentiellement sur les nécessités et l’honnêteté du projet, Carlo et son studio resteront longtemps encore en avant-garde sur leur temps.